Licht

Licht ist ein Dauerthema in der Kunst. In allen erdenklichen Medien haben Künstler die Kontraste zwischen Hell und Dunkel ausgenutzt, kühle und warme Farben gegenübergestellt, sich auf die Wissenschaft gestützt und versucht, die vorübergehenden Effekte des Lichts und seine emotionalen Assoziationen einzufangen. Dieses Buch untersucht, wie Künstler seit dem 18. Jahrhundert Licht wahrnehmen, illustrieren und nutzen. Beginnend mit dem britischen Künstler JMW Turner (1775-1851), der triumphale Lichtexplosionen einfing und versuchte, ihre Vergänglichkeit in der Farbe darzustellen, zeigt es, wie sein ausdrucksstarker Einsatz von Farben und sein Interesse an flüchtigem Licht die französischen Impressionisten beeinflussten. Für sie wurde das Licht selbst zum Thema, da sich Künstler wie Claude Monet (1840–1926), Pierre-Auguste Renoir (1841–1919), Alfred Sisley (1839–99) und andere nach draußen wagten, um die momentanen Auswirkungen des Sonnenlichts einzufangen Leinwand. Das Buch untersucht spätere Innovationen in fotografischen Prozessen und beleuchtet auch, wie die Fotografie zu einem entscheidenden Vehikel wurde, durch das Künstler begannen, Licht selbst als Medium zu nutzen und auf Motive zu verzichten, um Fotografien zu schaffen, die eher bewegten Abstraktionen als Standbildern ähnelten. Während frühe kunsthistorische Assoziationen mit Licht eher erhabener oder spiritueller Natur waren, begannen Künstler wie Dan Flavin (1933–96), James Turrell (1943) und Lis Rhodes (1942–) in den 1960er Jahren, mit künstlichem Licht zu arbeiten, um Neues zu schaffen Arten von Skulpturen und immersiven Installationen, die den Betrachter als Teilnehmer neu positionieren. Viele Künstler wie Olafur Eliasson (1967-) und Tacita Dean (1965-) arbeiten weiterhin mit Licht und ermutigen den Betrachter, seine eigenen Positionen und Perspektiven zu hinterfragen. Dieses wunderschöne Buch zeigt über 100 bemerkenswerte Kunstwerke aus den letzten 200 Jahren und zeigt, wie die Ungreifbarkeit des Lichts immer noch fasziniert.